:: Rachel McAdams & Eric Bana ::

Em trama bastante similar a que interpretou em Um Diário de Uma Paixão (The Notebook, EUA, 2004), de Nick Cassavetes, Rachel McAdams faz chorar mais uma vez. E mesmo que  já conheçamos a história, que  já estejamos preparados para o que vai acontecer e saibamos de cor a premissa da produção, a película emociona. Com um pouco de fantasia futurista, a história de amor em Te Amarei para Sempre (The Time Traveler’s Wife, EUA, 2009), de Robert Schwentke (Plano de Vôo), que foi baseado no belo romance literário A Mulher do Viajante do Tempo, de Audrey Niffenegger,  encanta os corações mais melados a partir desta sexta-feira, dia 16/10, nos cinemas.

Audrey Niffenegger é artista plástica e leciona criação literária, impressão tipográfica e produção editorial de luxo em uma universidade de Chicago. Logo em sua estréia, em 2003, a autora conseguiu um feito raro para escritores iniciantes no gênero da ficção – foi um grande sucesso de vendas nos EUA e seu livro foi julgado pela crítica como uma releitura inovadora e inteligente do romance de amor, além de ter seus direitos cinematográficos comprados pela empresa de Jennifer Anniston e Brad Pitt, em Hollywood.

O romance, distribuído no Brasil pela Playarte, fala de Henry DeTamble (Eric Bana), um moderno bibliotecário. Ele que possui um distúrbio genético raro que faz com que seu relógio biológico viaje no tempo para momentos que o afetaram emocionalmente em sua vida. Henry conhece Clare (Rachel McAdams), uma bela estudante de arte, e se apaixona. Apesar de se casarem, terem uma família e uma vida social com amigos, seu casamento jamais seria normal.

A superação das dificuldades encontradas no relacionamento, a ausência e a saudade são tratadas com muita sensibilidade, inteligência e bom humor pela autora e a mesma ideia tenta ser aplicada ao filme, com a intenção de mostrar que o verdadeiro amor é capaz de transpor todas as barreiras – inclusive a mais implacável de todas: o tempo.

O filme tem um elenco que conta, além de McAdams, com Eric Bana (que faz o viajante do tempo), Michelle Nolden, Alex Ferris, Carly Street,  Jane McLean, Arliss Howard, Katherine Trowell e Bart Bedford e recebeu tanto críticas positivas quanto negativas dos especialistas americanos, totalizando uma média de quase 50% de aprovação.

A produção ficou em terceiro lugar em sua estréia na terra do tio Sam, atrás somente de Distrito 9, de Peter Jackson (que estréia no Brasil também nesta sexta-feira) e G.I. Joe – A Origem de Cobra, faturando uma média de US$19.5 milhões no primeiro final de semana. Dado o valor investido de US$39 milhões, Te Amarei para Sempre já pode ser considerado, pelo menos, um sucesso financeiro, já que até agora, nos Estados Unidos somente, faturou mai de US$62 milhões.

Após uma longa espera, milhares de especulações e a polêmica do cancelamento de sua visita ao Brasil, Quentin Tarantino mais uma vez dá o ar de sua graça e divide opinões com mais de uma suas produções que chocam pelo miscelâneo que as compõem.

Para os fãs de carteirinha, Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds, EUA/Alemanha, 2009), obra-prima mais recente do diretor americano, que fala sobre guerra (mais especificamente sobre a Segunda Guerra Mundial, quando um grupo de soldados judeus americanos tem como missão espalhar o terror pelo Terceiro Reich), nada mais é do que pura e simplesmente Tarantino. E isso é bom. Muito bom.

Primeiro, porque independente do lado que Tarantino decida mostrar ao grande público – porque o diretor possui vários: lado B, trash, comédia, ironia, violência, sonho, pesadelo… – ele consegue atenção. Segundo, porque ninguém melhor do que os fãs que conhecem toda a trajetória do cineasta, que gostam e acompanham seus filmes e projetos, para julgar. E se eles dizem que é bom, é melhor acreditar. Desta vez eles estão certos.

O diretor de Bastardos Inglórios mistura temas, adapta uma trilha sonora única para o contexto da produção, usa recursos faroeste, e abusa dos duelos e das cenas chocantes de violência (que desta vez estão até mais reservadas do que o seu tradicional cinema). Mas mesmo quando abusa, Tarantino produz na dose certa.

Na história que se passa na França ocupada pelos nazistas, onde Shosanna Dreyfus (Laurent) testemunha a execução de sua família pelas mãos do coronel nazista Hans Landa (Christoph Waltz merecia uma crítica à parte). Após uma introdução brilhante com uma intensa conversa entre os personagens de Denis Menochet e Waltz, a jovem consegue escapar e foge para Paris, onde cria uma nova identidade como dona de cinema. Enquanto isso, também na Europa, o tenente Aldo Raine (Pitt) inferniza ao lado de seu grupo de soldados judeus os nazistas. Conhecido por seus inimigos como Os Bastardos, o esquadrão de Raine se junta à atriz alemã e agente infiltrada Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger) em uma missão para derrubar os líderes do Terceiro Reich. E os destinos convergem para o cinema onde Shosanna está planejando a sua própria vingança.

Inteligente, ainda que mantida rigorosamente simples, a trama investe nos atores – e a direção de elenco é a melhor da carreira já celebrada por essa característica de Tarantino. E se comentei acima que Christoph Waltz merecia sua própria crítica, dedico-lhe ao menos um parágrafo. O ator austríaco não dá chance a quem quer que divida a cena com ele. Seu vilão é tão sensacional que Bastardos Inglórios torna-se, sem querer, quase como um filme do Batman, em que são os antagonistas que valem o ingresso. Brad Pitt? Bom e caricato, como o filme exige. Mas Waltz está simplesmente em outra esfera de talento.

Caricaturas, aliás, são o pão-com-manteiga do filme. É divertida a maneira como Tarantino conscientemente reduz personagens aos seus estereótipos conhecidos (o americano caipira e bruto, a francesa blasé, o inglês supereducado, os nazistas engomadinhos…) para economizar tempo em explicações e construção de personagens. O único com quem ele realmente se preocupa é, de novo, Hans Landa, e isso causou certa polêmica entre a crítica. Adorar o nazista, mesmo com o tresloucado e historicamente alucinado clímax que o filme oferece, não é algo de fácil digestão mesmo.

Brad Pitt - vilão caricato

:: Christine Brown (Alison Lohman) em momento "FUCK YOU, BITCH!" ::

O cineasta americano responsável pela direção dos 3 filmes da saga Homem-Aranha (e também do 4^o. Filme, cujas filmagens começarão em 2010), decide retornar ao terreno dark, após sete anos. Sam Raimi, famoso por ter criado uma das histórias mais aterrorizantes do cinema com a franquia A Morte do Demônio, que iniciou em 1981, dirige o mais recente e literalmente assustador thriller dos últimos tempos: Arrasta-me Para o Inferno (Drag me To Hell, EUA, 2009), que estréia em circuito nacional nesta sexta-feira, 14/08, para delírio dos fãs do gênero e de adolescentes interessados no proibido.

O filme, declaradamente rotulado como baixo orçamento pelo próprio Raimi, cumpre esplendidamente seu papel de filme de horror de volta às raízes, tanto que é um dos indicados à categoria de melhor filme de horror na premiação Teen Choice Awards 2009, evento anual que homenageia as maiores realizações do ano em música, filmes, esportes e TV, votado por adolescentes entre 13 e 19 anos, realizado pelo canal FOX.

A história, que é ambientada em 1969, se baseia na vida da atormentada Christine Brown (Alison Lohman), ambiciosa agente de crédito que, ao se deparar em uma disputa por uma ascensão profissional na empresa para a qual trabalha, acaba negando o pedido de extensão do financiamento da moradia de uma velha cigana, para impressionar seu chefe, Sr. Jacks (David Paymer) e mostrar que ela é capaz de tomar decisões mais duras.

A velhota, por ter se humilhado e não ter amolecido o coração de Christine para conseguir o prazo da hipoteca da casa que precisava, decide se vingar da moça, amaldiçoando o botão que arrancara da manga do casaco de Christine em nome de uma bruxa demoníaca chamada Lâmia. O feitiço seria fatal ao dono do objeto tomado (o botão) e reservaria, da forma mais cruel e impiedosa, a alma da bela agente de crédito, à eternidade de sofrimentos no inferno.

Ao consultar um vidente, Christine descobre a maldição das forças ocultas sobre a sua alma generosa e ao lado de mais dois outros espiritualistas que irão ajudá-la (mediante ao pagamento de uma quantia de 10 mil dólares para compensar o risco de vida de todos e do sacrifício do bode a ser morto em oferta à bruxa em troca pela alma de Chris), uma sessão de descarrego é organizada.

Dentre os momentos que antecedem a sessão espírita, durante e depois, Sam Raimi carrega nos efeitos simples e sustos bem programados (por mais clichês que possam ser) que deixam cabelos em pé. O diretor também carrega na quantidade de vômitos expelidos por cadáveres e demônios em cenas realmente nojentas. Talvez Sam Raimi demonstre, consciente ou inconscientemente, uma fixação oral em todos os instantes que procurou levar surpresas até a sua protagonista. E nas cenas engraçadíssimas é possível provar que o bom humor também reina em Arrasta-me. A boa mistura faz da produção um momento que vale a pena ver. E vale a pena ver de novo, sejam quantas vezes forem. Principalmente pelo desfecho do longa. Merecedor de palmas!

Distribuido pela Universal, o longa da Ghost House Pictures já estreou nos EUA em maio. Para o público que vai se aventurar (bem) nas salas escuras neste final de semana, o importante é não esquecer da mão extra para apertar. E respire fundo, para que a Lâmia não venha te pegar. 

Totalmente diferente da imagem de seu narrador (o líder do Nirvana), Kurt Cobain – Retrato de Uma Ausência, que estreou somente em São Paulo nesta sexta (31/07), é um documentário leve, limpo e bem-humorado. Dirigido por A.J. Schnack, a narração foi extraída de mais de 25 horas de depoimentos e entrevistas, dada pelo músico ao jornalista Michael Azerrad, entre os meses de dezembro de 1992 e março de 1993, como coleta de dados para a produção do livro Come As You Are: The Story of Nirvana, lançado em 1993.

O contraste entre a imagem que Kurt Cobain sempre fez questão de passar, consciente ou inconscientemente, e a  pessoa que surge no documentário de um pouco mais de uma hora e meia surpreende. A voz calma, envolvente, os comentários bem-humorados e a ilustração do que está sendo dito pelo menino rebelde através de uma sequência de imagens inspiradoras fazem o público, mesmo aqueles que não têm a mínima identificação com ele ou o Nirvana, se encantar.

Barulhinho bom

O filme não é carregado. Muito pelo contrário. Mesmo a trilha sonora totalmente rock n’roll, com Queen, Iggy Pop, David Bowie, Mudhoney e Creedence, não permite que a produção seja tão barulhenta. A mistura poética de imagens de paisagens, fotos e animação gráfica com os depoimentos e conversas que nunca haviam sido levadas ao público anteriormente, ajuda para um resultado satisfatório.

Mas do que se trata realmente o filme? Nada mais do que a vida de um cara que se suicidou com um tiro na cabeça, em 1994, e cuja letra do hit Smells Like Teen Spirit levava fãs à loucura. Ele reconta sua própria vida – da infância à adolescência, dos seus dias de descoberta musical à cobrança de ter que lidar com a fama explosiva de sua banda.

Desabafo

Kurt também desabafa a respeito de suas dificuldades em administrar vida pública, pessoal, drogas e a depressão, companheira inseparável até o momento da sua morte. Ele também expõe questionamentos sobre a mistura de gêneros musicais e elucida Beatles e Black Sabbath, além de afirmar categoricamente que a mídia é um monstro sedento pela aniquilação de seres humanos.

O narrador também lista uma média de 20 artistas e bandas que lhe serviram como referência musical e inspiração.

Retrato de Uma Ausência é dividido em três capítulos: Aberdeen, Olympia e Seattle, três cidades dos Estados Unidos em que Kurt Cobain morou. O filme só vai mostrar sua imagem real nos últimos singelos minutos. O ponto positivo aqui é que não há clichês. Tudo é minimalista e original.

:: who the hell was he, actualy? ::